La filmoteca en la red
Internet es compartir. Compartir, entre otras cosas, ese ingente patrimonio cultural que el saber humano ha ido generando a lo largo de l...Video Episodes:
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16:54:40 02/02/09
Miedo a la muerte
[LESS INFO] 3 VIEWS | ADDED 21:54:40 02/02/09
Ficha técnica
Título en español: Miedo a la muerte. Víctima del miedo
Director: Christy Cabanne.
Guión: W. J. Abbott
Producción: William B. Davis
Fotografía: Marcel le Picard
Música: Carl Hoefle
Intérpretes: Bela Lugosi (Prof. Leonide), George Zucco (Dr. Josef Van Ee), Nat Pendleton (Bill 'Bull' Raymond), Molly Lamont (Laura Van Ee), Joyce Compton (Jane Cornell), Gladys Blake (Lilly Beth, the maid), Roland Varno (Ward Van Ee), Douglas Fowley (Terry Lee), Stanley Andrews (Pathologist), Angelo Rossitto (Indigo), Lee Bennett (Rene the Killer), Stanley Price (Intern)
Nacionalidad: Estados Unidos
Año: 1947
Duracion: 65 minutos Durante la auptosia de su cuerpo, Laura Van Ee recuerda como llegó hasta la morgue. Mujer de Ward Van Ee, este le ha pedido el divorcio, pero Laura se niega a darselo. Cree que todos los habitantes de la casa pretenden volverla loca, pues recibe misteriosos mensajes escritos en tinta verde que tiene relación con algun secreto de su pasado. Su marido es hijo del doctor Joseph Van Ee, que tambien guarda un pasado oscuro, como muy pronto le sera recordado por el hipnotizador Leonide, que visita de pronto a su familia. La muerte de la mujer implicaba al hipnotizador, un enano y a una misteriosa figura con una mascara verde que se aparece tras los ventanales de la casa.
Fue la unica pelicula en color de Bela Lugosi. La accion, enteramente en un flashback, transcurre en un solo dia, en la misma casa, con escuchas detrás de las puertas, tras los arbustos del jardin, paneles secretos, todos mirandose unos a otros desconfiados y temerosos, la cabeza enviada por correo...
La producción no se diferencia en nada a otras anteriores de la etapa decadente de Bela Lugosi, exceptuando el mencionado color, y es una especie de vodevil donde se cruzan continuamente los dialogos entrevesados, con algunas dosis de humor en ciertos dialogos, la mayoria a costa del enano y sobre todo unas rocambolescas escenas con Lugosi de protagonista, que le da el verdadero toque siniestro a esta pelicula, que en realidad le hace falta. Una pelicula mas para Bela Lugosi, y pronto empezaria su decada final.
Costó 135.000 dólares, la mayoría de los cuales se gastaron en el Cinecolor, que pretendia ser rival del Technicolor, aunque estaba muy lejos de la calidad de este. Hay que decir que la supuesta mascara verde solo es verde en contadas ocasiones, porque su color mas habitual es el azul (?). Cuestiones de iluminación, imagino. Dirigida por un prolifico director, Christy Cabanne, que consiguió probablemente su mayor exito con 'The Outcasts of Poker Flat' (1937).
Para terminar, la aparicion estelar en los ultimos minutos de la pelicula de Ed Wood Jr. travestido. Si es que este hombre era un caso.
Fuentes
Texto: Blugosi
Cartel: Nielpettersolberg
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10:17:15 02/01/09
Alarma en la frontera
[LESS INFO] 1 VIEWS | ADDED 15:17:15 02/01/09
Sinopsis y crítica de Mario Maganto Berdejo
De William Seiter (Nueva York, 10 de junio de 1890-Beverly Hills, 26 de julio de 1964) no puede decirse que fuera un gran director pero hay que reconocerle el mérito de haber sido un prolífico creador de dignísimos productos cinematográficos.
Introducido en la industria en la secunda década del siglo pasado, dirigió a Laurel y Hardy, Fred Astaire, Ginger Rogers, Fonda padre, John wayne, Rita Hayworth o a los hermanos Marx...
De su filmografía puede destacarse "El hotel de los líos"(1938), "Bailando nace el amor" (1942), "Venus era mujer" (1948), o "Alarma en la frontera", película esta poco conocida en España, pero con ingredientes más que suficientes para que los amantes del cine negro puedan pasar un buen rato visionándola.
Magníficamente ambientada en la frontera de Estados Unidos con Méjico, la policia norteamericana pone en marcha un plan para detener a Pete Richie (Raymond Burr), un traficante de drogas que se mueve como pez en el agua pasando la mercancia de un país a otro.
Madeleine (Claire Trevor), una agente de narcóticos, actuará como gancho para tratar de obtener información, pero al comienzo de la operación cae en manos de Johnny (Fred MacMurray), uno de los miembros de una banda rival, lo que le obligará a adaptarse a la situación y a compartir vida, riesgos, viaje y amor con un delincuente. Finalmente descubrirá, descubriremos, que nada es lo que parece.
Seiter sabe captar y transmitir perfectamente ese particular mundo fronterizo en el que la conjunción del inglés y del español conforma un tercer idioma en el que todo el mundo parece entenderse.
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17:06:07 01/30/09
El gran tipo
[LESS INFO] 2 VIEWS | ADDED 22:06:07 01/30/09
icha técnica
Título original: Great Guy
Año: 1936
Duración: 75 minutos.
País: Estados Unidos
Director: John G. Blystone
Guión: Henry McCarty, Henry Johnson (Historia: James Edward Grant)
Música: Marlin Skiles
Fotografía: Jack MacKenzie
Reparto: James Cagney, Mae Clarke, James Burke, Edward Brophy, Henry Kolker, Bernadene Hayes, Edward McNamara, Joe Sawyer, Robert Gleckler
Productora: Zion Meyers Productions
Sinopsis
Johnny Cave es nombrado inspector de pesos y medidas después de que el antiguo inspector fuese hospitalizado debido a un presunto intento de asesinato. Pronto descubre que hay muchas irregularidades y que están engañando a los compradores. Las medidas agresivas que toma al respecto le hacen objetivo de la mafia. Crítica de Mario Maganto Berdejo.
Corre el año de 1936. Los americanos apenas han logrado reponerse de la depresión del 29; España, como nos recuerda Cagney, se desangra en una guerra civil y el resto de Europa afila las bayonetas para iniciar su particular conflicto, que terminará alcanzando dimensiones planetarias.
En este contexto histórico, John G. Blystone dirige una pequeña joya del cine negro, dígnamente interpretada por James Cagney, en la que nos muestra una sociedad corrompida hasta el tuétano, en la que los poderes económico y político, en su desmedido afán de poder y dinero, no dudan en expoliar a los pequeños comerciantes y a las clases populares, alterando el peso en los productos de primera necesidad.
Afortunadamente, un agresivo agente gubernamental de la Oficina de Pesas y Medidas (Cagney) emprenderá la titánica labor de desenmascarar esa red de corrupción que alcanza al Gobernador y al Alcalde de la ciudad.
Película recomendable que los amantes del género no deben de dejar de ver.
Fuentes
Ficha técnica y sinopsis: Filmaffinity
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18:15:56 01/29/09
La muerte viste de blanco
[LESS INFO] 2 VIEWS | ADDED 23:15:56 01/29/09
Ficha técnica
Título original: Shock
Título en español: La muerte viste de blanco; El susto.
Director: Alfred L. Werker
Guión: Martin Berkeley
Productor: Aubrey Schenk
Música: Emil Newman
Fotografía: Glen MacWilliams
Intérpretes: Charles Trowbridge, Lynn Bari, Reed Hadley y Vincent Price
Nacionalidad: Estados Unidos
Duración: 70 Minutos
Año: 1946
Sinopsis
Una joven mujer (Anabel Shaw) se traumatiza luego de presenciar un asesinato. El psiquiatra (Vincent Price) que toma el caso es justamente el asesino. Cuando una película se toma solo 8 minutos para plantearnos su tónica, estamos en presencia de un director que no subestima el tiempo del espectador. En este caso, una vez que la joven protagonista pasa a la clínica del doctor Price, la cámara nos da alguna que otra sorpresa, por ejemplo, el descubrimiento del paciente nervioso interpretado por John Davidson, aunque termina cayendo en una espiral de repetición en la que las continuas visitas del joven novio militar (Frank Latimore) de la chica aletargan ese inicial ritmo narrativo. A medida que se desarrolla la trama y se postula la conspiración urdida por Price y su cómplice (la enfermera Lynn Bari), la aparición del detective de turno (Reed Hadley) y las paulatinas dudas sobre las intenciones de Price para con la paciente generan la sensación del cliché, del que se intenta vanamente despegar con los intentos de Price por dotar a su personaje de remordimientos, inseguridad y, bueno, todas aquellas patologías que estaba acostumbrado a tratar en sus pacientes. Quedan algunos momentos brillantes, como los diálogos entre Price y Bari a la luz de la chimenea o la reacción de la chica ante los continuos shocks insulínicos (realmente polémicos en su época, por ser considerados completamente opuestos a la práctica real de psiquiatras y matasanos), pero no alcanzan a sugerir el clima de tensión pretendido. Fuentes de la sinopsis : Cinefania
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19:09:56 01/24/09
Rojo oscuro
[LESS INFO] 1 VIEWS | ADDED 00:09:56 01/25/09
Ficha técnica
Titulo original: Profondo rosso
Director: Dario Argento
Guión: Dario Argento, Bernardino Zapponi
Música: Goblin
Fotografía: Luigi Kuveiller
Reparto: David Hemmings, Daria Nicolodi, Gabriele Lavia, Macha Méril, Eros Pagni, Giuliana Calandra, Piero Mazzinghi, Glauco Mauri
Productora: Rizzoli Film
Nacionalidad: Italia
Año: 1975
Duración: 122 minutos.
Sinopsis, por Fantomas.
Helga Hullman es una vidente alemana, que durante una conferencia nota una presencia inquietante y advierte que alguien planea cometer un crimen. Esa misma noche, Helga es brutalmente asesinada. Marc Daily (David Hemmings), es un pianista que casualmente paseaba por la calle y que presencia el brutal asesinato. La curiosidad que le provoca este crimen, lo lleva a comenzar una investigación por su cuenta, con el objetivo de descubrir la identidad del asesino. Durante el transcurso de su investigación, empiezan a morir algunos involucrados en sus pesquisas. Eso sumado a un detalle de la escena del primer crimen que piensa haber olvidado, será lo que obsesionara a Marc, impidiéndole abandonar la peligrosa aventura que ha decido emprender. Crítica de Fantomas.
Explotando el género que lo llevó a ser reconocido como un director de culto, Dario Argento nos entrega lo que a ojos de muchos es su mejor trabajo. Ya desde la primera toma de este interesante film, nos sumerge en el macabro mundo que caracteriza sus cintas, mostrándonos un crimen a través de las sombras producidas por el asesino y la victima. Acto seguido, cae al suelo un cuchillo ensangrentado, que recoge un pequeño niño del que solo podemos ver sus pies. Todo esto está acompañado por una música infantil que adquiere un carácter macabro. Esta siniestra toma, es utilizada para darnos a entender el trauma que origina la posterior conducta del asesino, trauma que lo llevará a cometer brutales asesinatos, que son mostrados de manera bastante explicita durante el transcurso de la cinta. De igual forma durante el resto de la película, se nos siguen dando pequeñas pistas que nos ayudarán a armar el rompecabezas del que somos espectadores.
Argento, tal y como lo hiciese en otros de sus films, mediante las diversas tomas que realiza, provoca que nos identifiquemos con el punto de vista del asesino. Pasamos a ser una especie de cómplices de este, lo acompañamos mientras acecha a su victima sumergido en las sombras. De igual forma el director ocupa el mismo efecto para que también podamos entender y compartir el punto de vista del protagonista. Es a través de sus ojos que recorremos el pasillo del departamento de la victima, tratando al igual que el protagonista, de buscar alguna pista que nos pueda ser de ayuda para averiguar la identidad del asesino. De la misma forma, posteriormente cuando el protagonista se pregunte que fue lo que pasó por alto en aquella escena, nosotros en nuestros asientos intentaremos repasar aquellas imágenes, intentando solucionar el enigma que nos aqueja. Esto sin duda ayuda mucho al momento de lograr que el espectador se interese aún más en la historia.
El film cuenta con escenas bastante estilizadas, con diversos cambios de plano para mostrar el mismo objeto, donde incluso los asesinatos son filmados de una forma visualmente potente, sin dejar de lado el cuidado de la estética de estos. Argento se encarga además de mostrar con lujo de detalles el preámbulo del acto criminal. Muestra el miedo patente en la victima, como esta intenta buscar de donde proviene la música infantil que pone el asesino antes de efectuar su crimen, en una especie de ritual que debe realizar cada vez que comete un asesinato. De igual forma los violentos crímenes, que contienen una buena dosis de gore, son filmados de manera que el crimen en sí, se convierta en una torcida expresión artística.
En la película también podemos apreciar algunos toques sobrenaturales, en los que Argento ahondará en sus posteriores cintas “Suspiria†(1977) y “Inferno†(1980). Estos detalles sobrenaturales están patentes en prácticamente todas las escenas de asesinatos, en las cuales el elemento sobrenatural está encarnado por diferentes objetos. Por ejemplo, en la secuencia del asesinato de la escritora del libro de folclore, son los pájaros que posee por mascotas, los que la atacan sin razón aparente. Otro ejemplo de esto es la escena del asesinato del amigo de Helga, en la que un muñeco de risa y apariencia macabra, lo ataca de la nada. Estas serian muestras del mal intangible, que Argento sutilmente deja entrever que está presente cada vez que se va a cometer un crimen.
Hay dos detalles que a mi gusto juegan en contra de este film. Por un lado, está la banda sonora compuesta por la música del grupo de rock progresivo italiano Goblin, que pasarían a componer gran parte de las bandas sonoras de los films de Argento desde este punto. A pesar de que muchos pueden estar en descuerdo conmigo, la estrafalaria música utilizada en los momentos de mayor tensión a ratos no ayudaba mucho a entrar en la atmósfera deseada, muy distinto a lo que pasa en "Suspiria" donde la música acompaña de manera perfecta a las imágenes. En este caso Argento ocupó la música de forma casi festiva, como celebrando el acto criminal. Aunque tenga cierta conciencia de esto, la elección musical en esta ocasión no me termina de convencer. Lo otro que me resulta difícil de entender, es averiguar donde encaja el personaje de Gianna (Daria Nicolodi), la periodista que “ayuda†a Marc en su investigación, dentro de la cinta. La verdad es que aparece cuando matan a la vidente, luego en una escena que sugiere algún tipo de relación con Marc, y posteriormente termina apareciendo en la parte final de la investigación. Pareciera estar absolutamente de más en la historia, como una especie de intento de historia romántica entre el y el protagonista, hecho que nunca se consolida. Para colmo, la actriz no realiza un buen trabajo en esta cinta.
Las actuaciones en general son correctas, sin ser nada especial tampoco. La historia mantiene un buen ritmo que no aburre en ningún momento. Aunque hay muchos que consideran esta película con la obra maestra de Argento, pese a las falencias argumentales que presenta, yo me sigo quedando con “Suspiria†como la mejor realización del director y guionista italiano. Sin duda este es un film totalmente recomendable, un buen ejercicio de un giallo mezclado con algunos elementos sobrenaturales, que forma parte de las obras más destacadas del realizador. Es un buen punto de partida para comenzar a conocer su obra y aprender a valorar este tipo de cine que ya cuenta con un gran número de seguidores.
Fuentes
Ficha técnica: Filmaffinity
Sinopsis y crítica: Fantomas cinemascope
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19:17:17 01/23/09
Una luz en el hampa
[LESS INFO] 1 VIEWS | ADDED 00:17:17 01/24/09
Ficha técnica
Titulo en español: Una luz en el hampa
Director: Samuel Fuller
Interpretes: Constance Towers, Anthony Eisley, Michael Dante
Virginia Grey
Nacionalidad: Estados Unidos.
Duración: 93 minutos
Sinopsis
Una prostituta huye del proxeneta que la explota y se instala en una pequeña localidad donde trata de rehacer su vida. Los problemas surgen cuando conoce a un multimillonario que le propone matrimonio.
Crítica
El comienzo de este film es uno de los más osados de la historia del cine clásico. A traves de una cámara subjetiva observamos como una bella mujer nos golpea sin piedad con una cartera. Digo “nosâ€, porque si bien luego se mostrará en campo el rostro del destinatario, está claro que la paliza la propone el director hacia los espectadores. Es como si estuviera despertándonos del american dream para vivir una auténtica pesadilla. Pero lo más impactante es cuando en un intento de defensa, el hombre le arranca el pelo a la dama para revelar una cabeza calva. Quiero detenerme en este punto citando un antecedente en “The Lady from Shangai†(1947), de Orson Welles, en el que se animaba a cortarle la cabellera a una de las divas de Hollywood, su por entonces mujer Rita Hayworth. Si en aquel tiempo no se perdonó a Welles degradar a un icono de sensualidad, entonces a Fuller poco le importan las correcciones políticas, este es un claro ejemplo que nos indica que va a ir más allá de las convenciones. La tremenda escena concluye con la fémina acomodándose la peluca frente a un espejo mientras transcurre la secuencia de títulos en la que ya podemos divisar a una elite de profesionales que trabajan en la obra como el gran director de fotografía Stanley Cortez “The Night of Hunter†(1955).
La historia de este drama se centra en la figura de Kelly, una prostituta que llega a un suburbio escapando de su proxeneta. Con el pelo crecido, tan sólo trae consigo una maleta con botellas de champaña en su interior con el fin de usarla como cebo para atraer clientes. Sin embargo la vida de esta muchacha cambiará luego de concretar una cita con su primer usuario (un detective policial) y adivinar el sórdido futuro que le espera si continúa con dicho oficio. Entonces, Kelly decide dar un giro total a su futuro para hospedarse en una casa de familia y trabajar como enfermera en un hospital que cobija a niños con problemas ortopédicos. Lo que viene después será la calma que precede a la tormenta y la caída de sus sueños de cambio.
Fuller, que bien sabía como escandalizar, construirá una trama que conjuga una de visión demasiado perversa sobre el amor. Algo que nos recordará a la genial “Vértigo†(1958), de Alfred Hitchcock, en el tono plácido que usa para reflejar a través de la puesta en escena la caída de lo idílico que propone siempre el amor soñado. La música melosa, las imágenes mentales y sobre todo la decisión de utilizar primeros planos en momentos claves, son las bases sobre las que se erige esta extraña obra que se centra sobre la figura de las apariencias. Porque ese es el tema que domina la película: la sociedad y sus prejuicios sobre el pasado que traen consigo las personas. Mientras Kelly sonría y se acomode el peinado, todo el pueblo la adorará, pero una vez que sepan quién fue en su otra “vidaâ€, nadie pondrá las manos en el fuego por ella, aunque sea la encargada de de desenmascarar la perversión que azota a aquellos que la condenan.
Es sabido del tono amarillista de los temas que escoge Fuller para sus películas, locura, infidelidad, violencia y en este caso pedofilia son moneda corriente en los guiones que elige para rodar. Pero lo que lo aleja del sensacionalismo barato es la magnífica solidez con la que emite su opinión sin dejar que el espectador saque conclusiones por si mismo. El director se juega en sus ideas y estas son bastante sólidas para sacudirnos el cuerpo.
El final nos recuerda un poco al western de Fred Zinnemann “High Noon†(1952) en el que Kelly al igual que Gary Cooper se enfrenta a un pueblo avergonzado que reconoce su arrepentimiento. Y con un similar plano cenital nos muestra a la heroína que parte para seguir su vida quien sabe donde, pero segura del camino que ha escogido.
Fuente de la critica : Otros clasicos
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18:07:14 01/17/09
El asesino del taladro
[LESS INFO] 3 VIEWS | ADDED 23:07:14 01/17/09
Ficha técnica
Título original: The driller killer
Director: Abel Ferrara
Guión: Nicholas St. John
Fotografía: Ken Kelsch, Jimmy Spears
Música: Joe Delia
Montaje: Bonnie Constant, Michael Constant, Abel Ferrara, Orlando Gallini. Maquillaje: Rita Gooding
Efectos especiales: David E. Smith
Intérpretes: Abel Ferrara (Reno Miller), Carolyn Marz (Carol), Baybi Day (Pamela), Harry Schultz (Dalton Briggs), Alan Wynroth (Landlord), Maria Helhoski (Monja), James O'Hara (Hombre de la iglesia), Richard Howorth (Stephen)
Nacionalidad: Norteamericana
Producción: Navaron Productions
Productores: D.A. Metrov (productor asociado) yRochelle Weisberg (productor ejecutivo)
Duración: 96 minutos
Año: 1979
Sipnosis
Reno Miller es un pintor agobiado por su representante, sus compañeras de piso y unos vecinos que forman un grupo de punk que no le dejan descansar porque se pasan el día tocando y de fiesta. Reno está desesperado porque no consigue ser capaz de pintar nada en esa situación y ve como su vida se ha hundiendo poco a poco, hasta que un anuncio de teletienda donde hablan de las bondades de un taladro eléctrico parece mostrarle la solución a sus problemas. Crítica de Paco Latorre.
Si uno vive en Hollywood y frecuenta los afters más sarnosos, los bares más decadentes y los locales alegres de categoría (que para eso uno siempre se cuida, dicen) es muy probable que ese uno sea fan de Abel Ferrara, haya visto en alguno de sus contubernios a Abel Ferrara o que él mismo sea Abel Ferrara. Cruzando el Atlántico, y salvando las diferencias, muchas veces me he descubierto metido en un berenjenal a las tantas de la mañana rodeado de algún Abel Ferrara que otro, exégeta de lo que muchos pueden identificar como el síndrome Ferrara. O sea, que si yo, nada aficionado a las drogas pero sí bastante al lúpulo y más a las mujeres (no me obliguen a hablar de mis resultados) y demasiado al cachondeo (como buen valenciano, va en los genes) pese a mis intentos de bohemia reflexiva y contemplativa, me levanto algún domingo que otro con una sensación de suciedad, una resaca de tres pares de cojones y una conciencia pecadora que de algún modo me marca el expiar mis pecados (y del cristianismo me estoy quitando), no imagino como debe ser el despertar dominical para el Abel Ferrara medio.
Hay un cortometraje muy ilustrador al respecto obra de un personaje llamado Rob García (del que me consta que Javier Ludeña tiene algo parecido a una entrevista con él y al que esperemos le de cancha en algún momento) llamado "Domingo, puto domingo" que es, por mucho que parece joderle a su creador, una cazuela de talento bruto que define a la perfección ese síndrome Ferrara desde una óptica a priori mucho más ligera que la del muy feo italoitaliano, porque aunque posiblemente por intenciones no tengan nada que ver reflejan muy bien ese martirologio individual que cada uno lleva encima por los excesos o la estupidez (en mi caso lo segundo y un poco de lo primero, en caso de Ferrara o de Rob que contesten ellos). En la película que aquí comentamos poco o nada hay de ese sentimiento de culpa y de esa búsqueda de redención por las bravas que el cine de Ferrara ha ido purgando, pero en ella esta el germen de una obra que tiene en la mala hostia y derivados su razón de ser.
En fin, que mucha parrafada para hablar de un pedazo de caspa que si Ferrara no intentó pasar por ningún tapiz medianamente intelectual no me explico como tengo yo los huevos y la poca cabeza de intentarlo, pero como todos en esta revista parecemos muy serios y listos no voy a ser menos. El asesino del taladro es simple como la receta de un bocadillo de atún y por ello mismo sincera como una buena hostia de palma abierta en los mofletes: Ferrara era joven (pero muy feo, en eso no cambia), había visto (y creo que filmado) mucho porno, se movía por la camarilla cultureta más o menos underground de finales de los setenta / principios de los ochenta y como buen joven debía estar cabreado con algo o alguien. Así se explica la furibunda mala leche y la suciedad de una película como "El asesino del taladro" (que dio nombre al grupo de crust sueco “The Driller Killerâ€) donde la psicopatía no sirve ni como excusa ni como patrón ni como monserga, sino como taladro.
Estéticamente la película es tan fea como su autor bebiendo de ese cerdismo setentero que el cine de terror de bajo presupuesto y el de justicia urbana chabacana habían legitimado, un cine y una estética que como las resacas jodidas y los malos polvos es real y está ahí, cotidiano y desagradable, con el consiguiente cabreo, porque, que no lo dude nadie, "El asesino del taladro" es cabreo en estado puro: gore guarro, personajes odiosos, argumento mínimo, mensaje nulo o del odio por el odio y una idea de hacer cine tan primitiva como impactante por su inmediatez. Por aquella época, Ferrara seguiría en sus trece provocadores con la imprescindible "Ángel de venganza" (Ms. 45, 1981) antes de pasarse a ser una especie de vedette del neo film noir y del cine de gangsters con cosas como "El cazador de gatos" (Cat Chaser, 1989) o "El rey de Nueva York" (King of New York, 1990) y acabar adquiriendo ese aureola de cineasta maldito y de culto a partir de la sobrevalorada "Teniente corrupto" (Bad Lieutenant, 1992). Supongo que Abel Ferrara ha estado escribiendo de algún modo su autobiografía a partir de sus películas, llegando un momento en que ese complejo de culpabilidad meapilas le invadió para hacer vivir a su cine en un domingo mañana contínuo, con sus malas resacas ("The Blackout", "New Rose Hotel", "Snake Eyes") y sus resacas lúcidas ("El Funeral", su remake de "La invasión de los ultracuerpos") pasando por tomarse demasiado en serio a sí mismo y a lo que dicen de él ("The Addiction", con ese final de monaguillo, aunque bien mirado su bienamado Kierkegaard también buscaba consuelo en Dios). No es el cine ideal, pero ya que eso parece no existir, al menos el cine de Abel Ferrara es tan interesante, divertido y cabronazo como sacarle defectos a la gente y doloroso en cuanto a sacártelos tú mismo.
Fuentes
Ficha técnica, sinopsis y crítica: Revista Fantastique
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18:16:22 12/16/08
Luna nueva
[LESS INFO] 0 VIEWS | ADDED 23:16:22 12/16/08
Cuando la mejor reportera del periodico Morning Post, Hildy Johnson, anuncia que va a dejar el periodismo para dedicarse a las labores del hogar junto a su estirado prometido, el editor del periodico y ex-marido de Hildy, Walter Burns, se empeña retenerla en su plantilla y de paso volver a conquistar su corazón.
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17:35:51 12/15/08
La tierra contra los platillos volantes
[LESS INFO] 1 VIEWS | ADDED 22:35:51 12/15/08
Encomiable pelicula, rodada en 1956, en la que, al igual que en "La guerra de los mundos", la Tierra es invadida por seres de otro planeta que llegan al nuestro tratando de asegurar su supervivencia. Contrariamente a lo ocurrido en la pelicula basada en la novela de H.G. Wells, en la que son las bacterias las que ponen termino a la invasion, en esta ocasión, será el hombre el que, con su tecnologia armamentistica,acabe con su enemigo.
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01:30:52 12/13/08
Un cubo de sangre
[LESS INFO] 1 VIEWS | ADDED 06:30:52 12/13/08
Un joven con trastornos mentales que trabaja de camarero en un pub de artistas y bohemios termina presentado como esculturas a las victimas de sus crimenes, a las que oculta bajo una capa de arcilla.
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19:45:09 12/09/08
El extrano amor de Martha Ivers
[LESS INFO] 1 VIEWS | ADDED 00:45:09 12/10/08
Sinopsis
Tres jovenes, Martha, Walter y Sam, se encuentran unidos por un terrible secreto. Han pasado los años y Martha (Stanwyck) y Walter (Douglas) se han casado: ella es una brillante y rica industrial, el un popular y ambicioso abogado. Pero cuando Sam (Heflin) vuelve inesperadamente a la ciudad y a sus vidas, comienzan los problemas...
Crítica de GVD
Creo que en la unica época de nuestra vida en la que somos felices es la infancia. Es una impresion, pero de la que no me fio demasiado porque, a pesar de que la tengo muy cerca, la nostalgia puede engañar y disfrazar el pasado de feliz, pero de lo que estoy seguro es de que el mio no era triste. Es una epoca en la que somos inmortales, en la que la Navidad es un acontecimiento, y en la que el dinero, poder y demas gilipolleces de los adultos no significan nada. Por eso la amistad es verdadera en la infancia, porque no existen traiciones de ningun tipo. Pero esa amistad habría que verla muchos años despues, como en "El extrano amor de Martha Ivers".
Habla de tres amigos de la infancia, dos de ellos criados en un mundo de riqueza y el otro al que el dinero nunca le ha dicho nada. Este ultimo vuelve al pueblo donde crecieron juntos tras muchos años fuera. Alli se encuentra con que sus antiguos amigos son los amos de la ciudad, que estan casados y que gozan de prosperidad. A partir de ahi se ve metido en un entramado de traiciones, miedos, palizas, chantajes, pasiones... todo debido al miedo del matrimonio a que su imperio se desmorone.
Es una pelicula que ha envejecido bastante en algunos aspectos, pero cuya trama se mantiene impoluta. Como dijo el gran Bloomsday en una de sus críticas: "las grandes películas envejecen en los detalles pero no en el fondo". No recuerdo si esas eran las palabras exactas, pero es una gran frase que a se ajusta a la perfección a esta pelicula. Cuenta con grandes interpretaciones de Van Heflin y Barbara Stanwyck, actriz que poseia una enorme capacidad para dejar entrever un mundo interior sombrio, con una fuerza y una mirada volcanicas.
La escena final, en la que el matrimonio se ahoga en su propia codicia y corrupcion, en un imperio que esta podrido desde su misma gestacion, posee una fuerza digna de Shakespeare, dramatica, sobrecogedora y magistral. Aunque al final se pretenda atenuar la tragedia con una conclusión en principio alegre (parece ser que acabar las películas con una nota de color era casi obligado, supongo que por la taquilla), es imposible mostrar un final mas tragico que ese, el de olvidar, a lo que supongo que ayudaran muchas noches sin dormir y muchas botellas de alcohol, aunque por suerte tengas a la tia que quieres a tu lado. Pero por mucho que se intente borrar el pasado, siempre quedara en su memoria aquella mansion en la que sus amigos quedaron atrapados. Final que hace veinte años seguramente no podrian ni imaginar.
Fuentes
Ficha tecnica, sinopsis y crítica: Filmaffinity
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15:20:44 12/03/08
La ultima mujer en la tierra
[LESS INFO] 1 VIEWS | ADDED 20:20:44 12/03/08
Título original: The last woman on earth
Nacionalidad: Estados Unidos
Año: 1960
Duración: 67 minutos
Director: Roger Corman
Guión: Robert Towne
Música: Ronald Stein
Producción: Filmgroup
Distribuidora: Absolute distribution
Reparto: Betsy Jones-Moreland, Robert Towne, Antony Carbone
Sinopsis
Un estafador, su mujer Ev y el abogado del primero, van de buceo cerca de Puerto Rico. Cuando salen a la superficie ven que el capitan del barco esta muerto y en la ciudad todos tambien han muerto, a causa de que el mundo se quedo una hora sin oxigeno. Al darse cuenta de la situacion ven que son los unicos supervivientes de la tierra... Y Ev la ultima mujer sobre la tierra Crítica de Mario Maganto Berdejo
Durante unas vacaciones en Puerto Rico Corman, decide aprovechar para rodar "La última mujer sobre la tierra". Aprovecha restos de película sobrante de rodajes anteriores y llama a Robert Towne para que vaya elaborando el guión conforme se avanza en el rodaje.
Con un minúsculo presupuesto y tres únicos actores, uno de ellos el propio guionista, elabora un film de poco más de una hora de duración, que se queda en un mero esbozo de lo que podía haber sido una excelente película.
En la actualidad es considerada película de culto por los aficionados a la ciencia ficción, pero lo cierto es que presenta considerables fisuras, díficiles de obviar. Corman omite toda explicación sobre la verdadera causa de la catástrofe, el guión presenta diálogos en ocasiones absurdos, cuando no contradictorios, la interpretación de los dos actores es francamente mejorable y, lo más triste, es que el espectador se queda con la sensación de que Corman desaprovechó una magnifíca ocasión para haber profundizado con mayor talento en el conflicto entre tres seres humanos que, teniendo todo el planeta para ellos, comparten un minúsculo espacio en el que el ambiente se torna doblemente irrespirable. La competencia sexual entre la inteligencia del abogado y la masculinidad del ¿empresario?, la pervivencia de los modelos sociales heredados, que lleva a excluir del grupo al individuo que puede poner en riesgo la pareja convencional, los celos, el amor, la lucha por la supervivencia... son caminos que definitivamente se quedan sin explorar.
Lo mejor, una espléndida y exhuberante Betsy Jones-Moreland con unas hermosísimas facciones que consiguen traspasar la pantalla.
Fuentes
Ficha técnica y sinopsis: Dreamers
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15:54:13 11/30/08
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13:12:09 11/25/08
Luces de la ciudad
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Magnífica película en la que nuestro querido vagabundo se enamora de una muchacha ciega. Charlot hará todo lo posible para que la joven recupere la vista.
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12:33:33 11/24/08
La mujer pantera
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Ficha Técnica
Director: Jacques Tourneur
Productor: Val Lewton para RKO
Guión: Dewitt Bodeen, según el relato "Los ojos de la pantera" ("Eyes of the Panther") de Ambrose Bierce
Fotografía: Nicholas Musuraca
Música: Roy Webb
Montaje: Mark Robson
Efectos especiales: Linwood G. Dunn
Intérpretes: Simone Simon (Irena Dubrovna), Kent Smith (Oliver Reed), Tom Conway (Dr. Louis Judd), Jane Randolph (Alice Moore), Jack Holt (El Comodoro), Alan Napier (Doc Carver), Elizabeth Dunn (Sra. Plunkett), Elizabeth Russell (la otra mujer pantera), Mary Halsey (Blondie), Alec Craig (guarda del zoo), Dot Farley (Sra. Agnew, la mujer de la limpieza), Teresa Harris (Minnie, la camarera), Charles Jordan (conductor de autobús)...
Nacionalidad: Norteamericana.
Año: 1942
Duración: 70 minutos.
Sinopsis
Oliver conoce a Irena en el zoo; de inmediato se siente prendado por ella. Al poco tiempo se casan, pero ella no se le entrega: cuenta la leyenda que, cuando una mujer de su pueblo siente la pulsión del amor, se convierte en una mujer gato que destrozará al amante.
Crítica de Carlos Díaz Maroto
La mujer pantera es el primer título del magistral ciclo que Val Lewton produjo para la RKO; también es el mejor de todos; incluso, para el que suscribe es, quizá, la mejor película de terror de todos los tiempos, aún con lo difícil que es precisar algo así.
Hasta aquel entonces, Jacques Tourneur no había tocado el género; después ofrecería otras obras maestras como I Walked with a Zombie (1943) o La noche del demonio (Night of the Demon, 1956). Es en verdad sorprendente la riqueza expresiva que puede aportar la película. Cabe resaltar el inteligente uso de luces y sombras, como la mítica secuencia de la piscina, donde sólo mediante el empleo de la iluminación -o, en especial, la ausencia de ella- se puede sugerir lo que está sucediendo, sin explicitarlo a un burdo nivel primario. La película, por lo demás, está plagada de simbolismos: Cuando Oliver conoce a Irena, ésta dibuja en el zoo una pantera atravesada por un estoque; también cabe resaltar la bañera donde la muchacha lava sus frustraciones, que posee patas como las de un felino, o el mascarón de proa de la maqueta de barco en el museo, que es otra imagen gatuna; por lo demás, en muchos momentos de la cinta, en lugares diferentes, hay gatos en actitud más o menos resaltada.
De todas maneras, disiento con el enfoque crítico que apunta la doble lectura realista/fantástica de la película, donde todo podría estar sucediendo en la mente de la protagonista. Si bien se juega con esa sugerencia, el resultado definitivo es aclaratorio y tajante: Irena es una mujer pantera. Los propios simbolismos que señalábamos se encargan de irlo apuntando, pero la propia explicitud -aquí sí- de las imágenes lo confirman, como la evidente imagen de felino que se ve en la oficina de Reed, iluminado tangencialmente por la luz de las mesas de montaje, mucho antes de que Irena libere a la pantera del zoo. Véase también el proceso de transformación que sufre Irena cuando ataca al psiquiatra, con un primerísimo plano de ella con variación de iluminaciones -para sugerir la transformación, tanto interna como externa, que acontece, la luz que se proyecta sobre el rostro de la chica cambia sobrenaturalmente, variando la fuente del foco-, para después verse al doctor forcejeando con un enorme felino. Los momentos finales, en definitiva, son adecuadamente sugerentes, ante los cuerpos muertos de la pantera e Irena, indistinguibles ambos, intercambiables ambos.
Fuentes
Ficha técnica, sinopsis y crítica: Pasadizo
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15:10:26 11/10/08
El cerebro que no queria morir
[LESS INFO] 1 VIEWS | ADDED 20:10:26 11/10/08
Título original: The Brain That Wouldn´t Die.
Director: Joseph Green
Productor: Rex Carlton
Guión: Joseph Green.
Fotografía: Stephen Hajnal
Montaje: Leonard Anderson, Marc Anderson
Efectos especiales: Byron Baer
Intérpretes: Jason Evers (Dr. Bill Cortner), Virginia Leith (Jan Compton), Leslie Daniels (Kurt), Adele Lamont (Doris Powell), Bonnie Sharie (Stripper rubia), Paula Maurice (Stripper morena), Marilyn Hanold (Peggy Howard), Bruce Brighton (Dr. Cortner), Arny Freeman, Fred Martin, Lola Mason, Doris Brent, Bruce Kerr, Audrey Devereal, Eddie Carmel…
Nacionalidad: Estados Unidos
Año: 1959
Sinopsis
El doctor Bill Cortner lleva mucho tiempo trabajando en el trasplante de órganos. Un accidente de tráfico separa la cabeza del tronco de su prometida. El doctor Cortner aplicará en su novia todos sus conocimientos científicos para tratar de salvarle la vida.